Everness
Jorge Luis Borges

Sólo una cosa no hay. Es el olvido.
Dios, que salva el metal, salva la escoria
y cifra en su profética memoria
las lunas que serán y las que han sido

Ya todo está. Los miles de reflejos
que entre los dos crepúsculos del día
tu rostro fue dejando en los espejos
y los que irá dejando todavía.
 
Y todo es una parte del diverso
cristal de esa memoria, el universo;
no tienen fin sus arduos corredores

y las puertas se cierran a tu paso;
sólo del otro lado del ocaso
verás los Arquetipos y Esplendores

Reflexiones en un día cualquiera bajo los acordes una suite de Bach.

Las vacaciones de mi familia han comenzado, eso sí,  un tanto dispersas, pero ya se iniciaron. Unos están partiendo hoy, otros en unos días y yo en un par de semanas.

El  aeropuerto estaba atestado de gente, la mayoría lucían entusiasmados. Me llamó la atención la gran cantidad de chinos que habían, tal vez porque me gustan mucho, sin embargo, hubo uno que me dejó reflexionando, creo que en lo único que Dios se equivoco, es que no podemos decidir cuando morir.

Estaba este hombre, de unos ochenta años sentado en una silla de ruedas, delgado, extremadamente delgado, claramente no podía moverse y respiraba a través de un orificio en su garganta. Su hijo, otro chino de mirada afable y sonrisa abierta le acomodó las piernas y el pelo con evidentes muestras de amor y respeto.  A los pocos minutos se fueron a la otra sala a hacer el ingreso a policía internacional. Al verlos perderse en el silencio, pensé si ese hombre realmente pudiera elegir morir, lo haría. No el hijo, no la  mujer si aún vivía, no, sólo él. ¿elegiría morir sin en ese elección no estuviera arraigada la creencia de pecado ni de culpavilidad, elegir morir libre y sin temor.

¿Por qué vivir cuando ya no se puede ser en esa vida con dignidad y consciencia? … (Es un tema complicado que va de la mano con nuestras creencias religiosas y éticas. Difícil.)  

Al salir del aeropuerto la noche se resbalaba por las copas de los árboles, el cielo estaba gris y rosa y corría una agradable brisa fresca,  me sentía de alguna manera plena. Me subí al auto y prendí la radio, estaban tocando una de mis  Suites preferidas, la número 1 de Bach.

Subí de volumen  y el cielo se hizo más hermoso, y yo? me sentí tan entera y plena como hace varios días no lo hacía y guardé ese instante, ese preciso y real instante en mi mente para que no se pierda en mi inconsciencia. Y ahora en las palabras.

A veces…, extraño el silencio cuando se me rompen las palabras en la memoria.

Escritores.cl, un portal que es patrocinado por la Unesco y el cual reune  una enorme cantidad de nuestros valores literarios, nos entrega a través de su página y sus muchas ventanas, el que hacer de una una infinidad de nuevos escritores que muchas veces, se mantienen en el anonimato teniendo un excelente trabajo que mostrar. ¡¡Bien por ellos!!

Dejo acá su último número.

PRIMEROS AÑOS

Su padre no consideraba la pintura una vocación apropiada para un miembro responsable de la sociedad, e insistió en que Nicholas siguiera sus pasos en el estudio de derecho. Se logró un acuerdo, y en el otoño de 1893 Nicholas se matriculaba simultáneamente en la Academia de Bellas Arte y en la Universidad de San Petersburgo.

En 1895, Roerich conoció al destacado escritor e historiador Valdimir Stasov. Este le presentó a muchos de los artistas y compositores de la época: Musorgski, Rimski-Korsakov, Stravinski, y el bajo Feodor Chaliapin. En los conciertos del Conservatorio de la Corte escuchó los trabajos de Glazunov, Liadov, Arensky, Wagner, Scriabin y Prokófiev por primera vez, y desarrolló un entusiasmo ávido por la música. Wagner llamó su atención en particular, y más adelante, durante su carrera como diseñador teatral, creó diseños para la mayoría de las óperas del compositor. Es más, a la pintura de Roerich se pueden aplicar adecuadamente términos y analogías musicales. Con frecuencia relacionaba la música al uso del color y de las armonías de color, y aplicó esta sensación a sus diseños para la ópera. Nina Selivanova en su libro The World of Roerich escribe: La fuerza original del trabajo de Roerich consiste en una simetría magistral y marcada, y un ritmo definido, como la melodía de una canción épica.

A finales del 1890 hubo un florecimiento de las artes rusas, particularmente en San Petersburgo, donde la vanguardia formaba grupos y alianzas, dirigidas por el joven Serguei Diaguilev, quien estaba uno o dos años por encima de Roerich en la Facultad de Derecho y quien además estuvo entre los primeros en apreciar su talento como pintor y estudiante del pasado ruso.

Uno de los primeros logros de Diaghilev fue la fundación, junto a la Princesa María Tenisheva y otros, de la revista El Mundo de Arte. Esta revista disfrutó una corta vida aunque tuvo una influencia importante en los círculos artísticos rusos. La revista se declaró la enemiga de los académicos, los sentimentalistas, y los realistas. Presentó a sus lectores, compuestos en su gran mayoría de la clase intelectual, los elementos principales de los círculos artísticos rusos, el post-impresionismo europeo, y el movimiento modernista. Roerich contribuyó con la revista y formó parte de su junta editorial. Otros de los pintores rusos que estuvieron involucrados fueron Alexandre Benois y León Bakst, quien más adelante se convirtieron en compañeros de trabajo de Roerich durante los comienzos del Ballet Ruso Diaghilev.

Al terminar su tesis universitaria, Roerich planificó viajar durante un año por Europa para visitar museos, exhibiciones, estudios y salones de Paris y Berlín. Justo antes de partir conoció a Helena, hija del arquitecto Shaposhinov y sobrina del compositor Mussorgsky. Parece que hubo una atracción mutua inmediata, y enseguida se comprometieron en matrimonio. Se casaron a su regreso de Europa.

Helena Roerich fue una mujer dotaba de habilidades poco comunes, una pianista talentosa, y autora de varios libros, entre éstos Fundamentos del Budismo y una traducción al ruso de Doctrina Secreta de Helena Blavatsky. La recopilación de sus Cartas, en dos volúmenes, son un índice para la sabiduría, profundización espiritual, y consejos simples que compartía con una multitud de personas con las que mantenía correspondencia, tanto enemigos como amigos y compañeros de trabajo.

Juntos, Nicholas y Helena Roerich fundaron la Sociedad Agni Yoga, la cual adoptó una ética activa que abarcaba y resumía las filosofías y enseñanzas religiosas de todas las eras. Impulsado por la necesidad de proporcionar ingresos para su nuevo hogar, Roerich solicitó y obtuvo el puesto de Secretario de la Sociedad de Incentiva del Arte, convirtiéndose más adelante en su director, primero de los muchos puestos que ocuparía como maestro y portavoz de las artes.

Roerich tomó la determinación de examinar detenidamente la Sociedad y rescatarla de la mediocridad académica en la que había caído durante tantos años. Instituyó un sistema de adiestramiento en arte que aún hoy día parece revolucionario: enseñar todas las artes -pintura, música, canto, danza, teatro, y las llamadas «artes industriales», como cerámica, pintura sobre porcelana, alfarería y dibujo mecánico- todo

bajo el mismo techo, y dar a la facultad rienda suelta para que diseñara su propio currículo.

La fecundación cruzada de las artes que promovió Roerich, fue evidencia de su inclinación para armonizar, unir, y encontrar correspondencias entre los conflictos aparentes u opuestos en todas las áreas de la vida. Esta era la marca distintiva de su pensar, y uno lo ve demostrado en todas las disciplinas que exploró. Buscó constantemente romper con la división en compartimentos, y, de hecho, aún su propio arte desafió la categorización y creó un universo personal único. También en sus escritos sobre ética se puede ver que buscaba constamente conectar los problemas éticos con el conocimiento científico del mundo a su alrededor.

El don de Roerich fue que estas conexiones le parecieran tan naturales y se presentaran en todas las manifestaciones de la vida. Y fue este talento para la síntesis, la cual admiraba en los demás y estimulaba en los jóvenes, lo que le permitió correlacionar lo subjetivo con lo objetivo, lo filosófico con lo científico, la sabiduría oriental con el conocimiento occidental, y construir puentes de entendimiento entre estas contradicciones aparentes. Nos recordó que con frecuencia estas contradicciones eran el resultado de la ignorancia del hombre, y de que una conciencia desarrollada, la cual todo individuo estaba obligado de buscar, guiaría al reconocimiento eventual de lo ilusorio, o de la relatividad, de las cosas.

Como Garabed Paelian afirma en su libro Nicholas Roerich: Roerich aprendió cosas ignoradas por otros hombres; percibió las relaciones entre fenómenos aparentemente aislados, e inconscientemente sintió la presencia de un tesoro desconocido. Quizás es este tesoro desconocido que en las pinturas de Roerich habla al observador que está armonizado con el significado implícito, y más aún explica los sentimientos transcendentales que algunos experimentan por medio de sus cuadros.

En 1902, los Roerich celebraron el nacimiento de su primer hijo, George, y en los veranos de 1903 y 1904, emprendieron un largo viaje por cuarenta ciudades a lo largo de Rusia. El propósito de Roerich era contrastar los estilos y el contenido histórico de la arquitectura rusa. El viaje fue uno de descubrimiento: por dondequiera que fueron logró localizar los restos de los monumentos del pasado ancestral, iglesias, murallas de ciudades, y castillos. Se dió cuenta de que en muchas ocasiones éstos habían sido desatendidos durante siglos. Como arqueólogo e historiador de arte estaba consciente de la importancia clave que tenían para la historia cultural de Rusia. Decidió captar la atención sobre esta situación y en alguna manera lograr que fueran protegidos y conservados, y con esta meta en mente pintó una serie de setenta y cinco cuadros que representaban las estructuras.

La experiencia de este viaje tuvo un efecto duradero, ya que a su regreso en 1904, Roerich hizo público su plan con la esperanza de que esto creara protección en todas partes para los tesoros culturales, algo que se consumó treinta y un años más tarde con el Pacto de Roerich. Esta forma de pensar no era común en esos días, y anticipó la importancia que, hoy en día, la mayoría de las naciones del mundo le dan a la conservación de su herencia cultural.

En 1904, Roerich pintó la primera de sus obras con temas religiosos. Estos trataban principalmente de santos y leyendas rusos, e incluyen Mensaje a Tirón, El Horno de Fuego, y El Ultimo Angel, temas a los que regresó con númerosas variantes muchos años después. El Tesoro de los Angeles fue descrito por un escritor: Una multitud de ángeles con vestimentas blancas están parados silenciosamente fila tras fila guardando un tesoro misterioso con el cual están unidos todos los destinos del mundo. Es una piedra negra-azulada con una imagen del crucifijo grabada, brillando con matices esmeralda.

Los ángeles son una representación temprana de los Maestros jerárquicos que poblaron el corazón de la creencia de Roerich en la Gran Hermandad, vigilando y guiando a la humanidad en su viaje eterno de la evolución. La piedra creada por Roerich, es la representación de una imagen recurrente de distinta forma en sus pinturas y, a lo largo de sus escritos. La palabra tesoro figura notablemente en los títulos de muchas de las pinturas de Roerich, como, por ejemplo, en El Tesoro de la Montaña y en Tesoro escondido.

Claramente no es a la riqueza material a lo que se refiere, sino a los tesoros espirituales que yacen escondidos, aunque disponibles para aquellos con la voluntad para desenterrarlos. Mientras tanto la búsqueda de Roerich de tesoros arqueológicos continuó. La Edad de Piedra le intrigaba particularmente, y amasó una gran colección de artefactos de esa era. Con frecuencia sus pinturas reflejaban este interés, como en Tres Espadas en la cual el tema es arqueológico, y alude a una leyenda antigua. Roerich escribió sobre la extraordinaria similaridad de las técnicas y los métodos de ornamentación de la Edad de Piedra en regiones muy distantes del globo. Al comparar estas correspondencias, llegó a conclusiones instructivas en cuanto a la coincidencia de la expresión y creatividad humana

de un tesoro desconocido. Quizás es este tesoro desconocido que en las pinturas de Roerich habla al observador que está armonizado con el significado implícito, y más aún explica los sentimientos transcendentales que algunos experimentan por medio de sus cuadros.

En 1902, los Roerich celebraron el nacimiento de su primer hijo, George, y en los veranos de 1903 y 1904, emprendieron un largo viaje por cuarenta ciudades a lo largo de Rusia. El propósito de Roerich era contrastar los estilos y el contenido histórico de la arquitectura rusa. El viaje fue uno de descubrimiento: por dondequiera que fueron logró localizar los restos de los monumentos del pasado ancestral, iglesias, murallas de ciudades, y castillos. Se dió cuenta de que en muchas ocasiones éstos habían sido desatendidos durante siglos. Como arqueólogo e historiador de arte estaba consciente de la importancia clave que tenían para la historia cultural de Rusia. Decidió captar la atención sobre esta situación y en alguna manera lograr que fueran protegidos y conservados, y con esta meta en mente pintó una serie de setenta y cinco cuadros que representaban las estructuras.

La experiencia de este viaje tuvo un efecto duradero, ya que a su regreso en 1904, Roerich hizo público su plan con la esperanza de que esto creara protección en todas partes para los tesoros culturales, algo que se consumó treinta y un años más tarde con el Pacto de Roerich. Esta forma de pensar no era común en esos días, y anticipó la importancia que, hoy en día, la mayoría de las naciones del mundo le dan a la conservación de su herencia cultural.

En 1904, Roerich pintó la primera de sus obras con temas religiosos. Estos trataban principalmente de santos y leyendas rusos, e incluyen Mensaje a Tirón, El Horno de Fuego, y El Ultimo Angel, temas a los que regresó con númerosas variantes muchos años después. El Tesoro de los Angeles fue descrito por un escritor: Una multitud de ángeles con vestimentas blancas están parados silenciosamente fila tras fila guardando un tesoro misterioso con el cual están unidos todos los destinos del mundo. Es una piedra negra-azulada con una imagen del crucifijo grabada, brillando con matices esmeralda.

Los ángeles son una representación temprana de los Maestros jerárquicos que poblaron el corazón de la creencia de Roerich en la Gran Hermandad, vigilando y guiando a la humanidad en su viaje eterno de la evolución. La piedra creada por Roerich, es la representación de una imagen recurrente de distinta forma en sus pinturas y, a lo largo de sus escritos. La palabra tesoro figura notablemente en los títulos de muchas de las pinturas de Roerich, como, por ejemplo, en El Tesoro de la Montaña y en Tesoro escondido.

Claramente no es a la riqueza material a lo que se refiere, sino a los tesoros espirituales que yacen escondidos, aunque disponibles para aquellos con la voluntad para desenterrarlos. Mientras tanto la búsqueda de Roerich de tesoros arqueológicos continuó. La Edad de Piedra le intrigaba particularmente, y amasó una gran colección de artefactos de esa era. Con frecuencia sus pinturas reflejaban este interés, como en Tres Espadas en la cual el tema es arqueológico, y alude a una leyenda antigua. Roerich escribió sobre la extraordinaria similaridad de las técnicas y los métodos de ornamentación de la Edad de Piedra en regiones muy distantes del globo. Al comparar estas correspondencias, llegó a conclusiones instructivas en cuanto a la coincidencia de la expresión y creatividad humana.

Teresa dejó la taza de té sobre la pequeña mesa que estaba al lado del sillón, no quiso mirar por la ventana aún a pesar del ruido del motor que le golpeó las sienes. Los pasos se acercaban a la puerta. Permaneció sentada. El timbre sonó ronco, retumbando como un cañón en las paredes de la casa.

Héctor bajó la escalera con pesadez, al ver a Teresa que permanecía inmóvil, se quedó de pie. El cabello cano se debilitó sobre su cabeza y se vio como un anciano. Las manos arrugadas permanecieron al lado de sus piernas, como dos cuerdas sin vida. La mirada quedó fija en su mujer. Permaneció ahí, sin hacer el menor movimiento.

El timbre sonó una vez más.

Teresa se levantó con la mirada perdida y caminó hasta quedar al lado de su marido, dio media vuelta, estiró la mano, tomó la perilla y la giró. A medida que la puerta se iba abriendo aparecieron las figuras de dos hombres, vestían un impecable uniforme azul, ambos soldados sostenían su gorra en las manos.

-         ¿La señora Teresa Gordon?

Teresa  no pudo permanecer de pie, las piernas se doblaron ante el peso del dolor. Héctor se agachó hasta quedar abrazado a su mujer mientras las lagrimas corrían por su cara. No podía respirar, esos uniformes azules les estaban estrangulando el aire.

-         Lo lamentamos mucho, el presidente de los Estados Unidos le da su más sentido pésame – dijo el soldado.

Philipp era su único hijo, recién había cumplido diez y nueve años.

Estados de lucidez

La noche aplastó mi silencio, miré la última estrella que colgaba en una esquina del cielo y me remangue los ojos, necesitaba verla interiormente, no pude porque los pensamientos aplastaron mi visión.

¿Qué podría decir de la tertulia final?. Hay tanto. Leíamos Manuel Andros y yo.

 Llegué temprano, quería tener tiempo para estar un rato con la gente que no tengo oportunidad de conversar. Ya había llegado Edmundo Moure, quien conversaba animosamente con Lucho Neuhauser,  es curioso, cuando invitamos a los escritores a leer a las tertulias es tan poco el tiempo que tenemos para profundizar con ellos, que con Edmundo no habíamos tenido oportunidad de conocernos más. A él lo había visto sólo un par de veces, una leyendo y la otra de invitado, en ambas oportunidades no pude apreciar con detenimiento algunos de sus atributos. Es  encantador, afable y generoso, generoso con su palabra y con su humanidad. Simpático. Nos sentamos a conversar junto a Luis, fue agradable ese preámbulo, me hizo sentir en casa.

A los pocos minutos comenzaron a llegar algunas personas; primero Manuel, acelerado como siempre pero contento. Luego Cecilia Almarza, (que encanto de mujer) es tan, pero tan encantadora, en su exquisita belleza y simpatía nos regala además la simpleza de esa gente que ya ha recorrido un basto camino a través de vivencias y emociones, cuando ya no tienes más alternativa que ser, simple, porque la vida te ha enseñado que en esa simpleza esta la perfección, la totalidad. Porque comprendes que mientras más pasos das, estas más cerca del final y llevas menos carga, tienes menos que demostrar y más para entregar sin importar lo que seas, lo que tengas o lo que lleves.

 Comenzamos apenas llegó la Katia, Miguel y la Carmencita, amigos y asiduos de nuestras tertulias, también vino con ellos Julio, él…, a ver como describir a Julio, él es un personaje en sí. Con la cámara siempre abrazando su cuello se pasea por muchos de los eventos culturales importantes de Santiago, capturando los momentos y esos instantes donde los seres humanos soltamos nuestra interioridad para que otros, puedan imbuirse en ella.

Cuando Sergio Polansky, acordeonista, músico, profesor de músico terapia e invitado especial a nuestra tertulia,  comenzó a tocar, el estado anímico de la gente se tornó vivaz, no sé.., alegre y lleno de vida. Él es carismático y toca magistralmente música rusa e internacional, sólo para resumir les puedo contar que la gente terminó bailando junto a su música, ¡en una tertulia literaria! ¿Se imaginarán el ambiente?

Bueno que más decir, salvo que fue una noche con la gente que hemos logrado crear lazos sólidos, con esa gente que quiso y pudo estar con nosotros. Rodolfo Pardo, María Eugenia García-Huidobro, Patricia Pinchón, y tantos otros.

Manuel Andros leyó sus poemas disfrutándolo, Cecilia y Edmundo fueron los mejores presentadores del mundo. Cecilia presentó a Manuel con dulzura, simpatía y el cariño que los une después de años de amistad, Edmundo, a quién conozco hace tan poco lo hizo magníficamente.  Y la sorpresa de la noche, me llegó un hermoso ramo de rosas (la Katia, ¡quién más!) y un libro maravilloso de Loreto Silva, otra escritora que siempre nos ha acompañado.

De Lucho Neuhauser, Marcelo y Andrés, los dueños de casa, sólo dar las gracias. Siempre nos han atendido maravillosamente. Gracias a ellos por la calidez,  la paciencia y por esa entrega que se da más allá de servir un trago, se ve en la mirada, en la sonrisa, en los gestos que no tienen valor monetario y es el que realmente perdura en el tiempo.

Terminamos esto con una sensación de contento y paz que cuesta explicar. Por lo tanto. Gracias vida, una vez más.

Elllos son nuestros anfitriones.

Coffee Stop, café literario (Hernando de aguirre 129)

Hago llegar a Ustedes invitación a un programa muy especial, el cual no deberían perderse.

“A través de la coordinación de los cursos electivos de “Tendencias del Arte Contemporáneo”, tiengo el agrado de invitarlos al estreno de “La Cantata del Alma “, obra poética, musical y teatral que se llevará a cabo el día 25 de noviembre a las 20:00 hrs, en el auditorio de la universidad UNIACC (Av. Salvador 1200).”

Se me pide que escarche la poesía en las ventanas de mi pieza y no puedo, la engancho con mi garfio solitario para que no me duelan los dedos, igual se me escapa. Me siento en el suelo, está frío, un frío que entume, miró a mi alrededor y todo está tan  blanco, de tiniebla y de nieve, blanco de nieve…

Quiero llorar de impotencia, no hay poema que erice mi piel, no los de ahora…, pienso en el desatino de mi pelo, como se va enredadndo con la vacuidad del verso silencioso. Mi deseo se aplasta con las letras que corren sin destino y quedo muda.

De pronto alzo mis ojos como si una luz infame me empujara hacia ella, y lo veo. Una sombra erguida desgarra mi cabeza.  Es tan grande, alto. Una mirada profunda se le arranca de los ojos y me cae en la cara. Sus manos arrugadas y su cuerpo gastado se mueven con lentitud hasta quedar a mi lado, me dice con tono sumiso:

- ¿Puedo?

- Claro – le contesto sin despegar los ojos de los suyos.

Su cuerpo inmenso cae pesado en el suelo, quedamos sentados mirando a la nada.

- ¿Qué haces acá Whitman?

- Tú me llamaste.

- mm.. seguramente, no me di cuenta.

- Escúchame, las palabras son sólo palabras, lo importante es si traen amarradas en su cola de cometa el sentimiento, sin él, nada vale pequeña. Luego das el orden, como en el universo, si no hubiese orden, la belleza y perfección no existiría.

- ¿Lo crees?

Me mira como diciendo, “¿es necesario que responda?. Pienso que no, entiendo lo que quiere decirme y me acurruco a su lado, tomo su mano y  me pierdo en la semilla de sus dedos por un rato. Le pido que me haga un poema sólo para mí.

- Ya lo tienes escrito, está en tu memoria, esa que viaja a través del tiempo, todo esta escrito pequeña, todo. Una y mil veces se ha escrito lo que ya existe.

Me agrada que me diga pequeña, me siento así a su lado.

- ¡Mira, mira quién vino a verte! – Dice mientras apunta con su dedo índice a una sombra.

 Focalizo hacía la figura que se está acercando. Es él, con la pesadez de Dios en la espalda, es tan hermoso…, y tan diminuto.

- ¡Rilke!

- Hola querida Lou

- No soy Lou.

- No importa, todas son ella.

- ¿A qué has venido?, ¿no me dirás que  a ti también te llamé?

Me miró y esbozó una sonrisa. Mi voz tembló. Me sentí descubierta.

- Bueno…, puede ser, me puse a leer algunos poemas, escritores contemporáneos tu sabes…  De pronto sentí  necesidad de volver a ustedes, a esos versos con los que me he arropado tantas veces. Luego quise hablar con alguien coherente. De esas personas que te hacen hundirte en las ideas  hasta que las comprendes, no sé…, lamentablemente no había nadie cerca, fue entonces cuando pensé en ustedes “si estuvieran vivos”…, iría, aunque tuviera que cruzar mil océanos, iría a buscarlos para hablar, hablar sin nada predispuesto, sólo hablar. Lamentablemente están muertos.

- Bueno, acá nos tienes – Dijo Whitman con la mirada perdida –  la muerte es otra ilusión, una de las tantas con que convive el ser humano, ¿me ves muerto?, no verdad, la idea de la muerte es dejar de existir, yo todavía existo, existiré siempre. Si quieres hablarme sólo tienes que llamar y vendré.

- Lo sé…, ahora lo sé. Gracias

Dije mientras dibujaba un circulo en el suelo con mis dedos, luego mirando a Rilke le pregunté:

- Dime, como logras hacer que un poema pueda sintetizar la existencia misma de Dios.

- Porque Dios está en la palabra, sólo debes aprender a encontrarles el alma.

 Los tres permanecimos sentados en el suelo, curiosamente ya no había nieve, sólo una gruesa alfombra de pasto. Se sentía bien. Comenzamos a mirar las estrellas y a reflexionar en como se las arregla Dios para que todo funcione tan perfecto habiendo tantos universos, luego Rilke dijo:

- No creo que le quite tiempo, él es cada uno de esos Universos.

Whitman lo miró y se largo a reír. En unos minutos estábamos los tres riendo, no sé por qué, no tenía nada de gracioso. Tal vez porque imaginamos a Dios enrollando sus dedos en los brazos de Andrómeda.

Poemas tempranos (Maria Rilke)

Ésta es la nostalgia: morar en la onda
y no tener patria en el tiempo.
Y éstos son los deseos: quedos diálogos
de las horas cotidianas con la eternidad.

Y eso es la vida. Hasta que un ayer
suba la hora más solitaria de todas,
la que sonriendo, distinta a sus hermanas,
guarda silencio en presencia de lo eterno.

No puedes esperar hasta que Dios llegue a ti
y te diga: yo soy
un Dios que declara su poder
carece de sentido.
Tienes que saber que Dios sopla a través de ti
desde el comienzo,
y si tu pecho arde y nada denota,
entonces está Dios obrando en ti.

Lectura poética donde participaré junto al poeta Manuel Andros. Nos acompañará musicalmente el prestigioso Sergio Polansky.

Martes 24 de Noviembre. 19:30 horas.

Fugacidad

Arena volátil de las horas. Constante y sordo ocaso
de toda construcción, aun feliz y bendita.
La vida sopla siempre. Se yerguen ahora aisladas
las columnas, que ya nada sustentan.

Pero ¿es triste el decaer, como el regreso
de la fuente al espejo, al que salpica con destellos?
Aferrémonos a los dientes del cambio,
para caber enteros en su testa que contempla.

Cielo nocturno y estrella fugaz

El cielo grande, lleno de magna contención,
un almacén de espacio, un exceso de mundo.
Y nosotros, demasiado lejos para tomar forma,
y demasiado cerca para la retirada.

¡Cae una estrella! Y nuestro deseo se adhiere,
alzando la mirada perpleja, rápidamente a ella:
¿Qué ha empezado, y qué se ha consumido?

Tertulia 17 de Noviembre

Juventud, anhelada y sobredimensionada juventud. La noche estuvo repleta de ella, los rincones se dejaron aplastar por la energía y sonrisas seductoras que se escapaban de los rostros de los jóvenes escritores que nos acompañaban en la penúltima tertulia. Hubo de todo, nerviosismo y ese llanto vedado, ese que se esconde tras el reclamo. ¡Que noche!,

 El barracón estaban brindando junto a Don Nadie, guitarrista, cantante, hombre enamorado, hombre lleno de sueños y de luchas. Con una personalidad que no sospechaba. Había venido a varias de las tertulias, siempre con una sonrisa amistosa pero silente. De mirada quieta y tímida, sin embargo esa noche, era otro. Estaba lleno  de vida. La Katia lo miraba embelesada (el amor se la aprieta en los ojos). Nos encantaron con su entrega musical y una improvisada lectura de una de las revistas que editan, “Calíope”. Pero ya hablaré del  Barracón, merecen una entrada completa.

 La María José…, encantadora, llena de sueños, de lectura, de humanidad, de esas mujeres que quieren y exigen más de la vida que lo que pueden tomar al paso. Nos mostró un trabajo bien cuidado, con sentido y futuro. Habló con soltura de cómo y por qué dejo medicina y llegó a estudiar literatura, contestó con entusiasmo y labia las preguntas que saltaban por las mesas.  

 Diego, cineasta y poeta. Un personaje. Me dejé resbalar por su palabra, una palabra con fuerza, con garra. Dijo…, dijo lo que debe decir un alma con historia, aún cuando él, todavía no lo sabe.

Este autor nos mostró a través de su poesía una sátira que se abraza extasiada con el grito de reclamo que siempre arde en un corazón joven, uno que tiene todavía que comprender, más allá del ojo, el verdadero dolor y la verdadera alegría. .

Fue una buena lectura por parte de ambos poetas. Una de esas que tienen condimento y sabor, que dejan satisfechos.

Pero las sorpresas siguieron, con Diego llegó otro joven cantautor, Claudio Rojas, se veía sencillo, casi humilde, hasta que agarró la guitarra, apenas le arrancó los primeros acordes supe que era bueno. Al final de la presentación de los escritores y Don Nadie, que era el músico invitado, Claudio tomó la guitarra y cantó con una voz y una garra que nos dejó en deuda con él, su música y  poesía. Pero por sobre todo con su humanidad.  

The Island (Paul Brady)
 
They say the skies of Lebanon are burning
Those mighty cedars bleeding in the heat
They’re showing pictures on the television
Women and children dying in the street
And we’re still at it in our own place
Still trying to reach the future through the past
Still trying to carve tomorrow from a tombstone…

Chorus

But Hey! Don’t listen to me!
This wasn’t meant to be no sad song
We’ve heard too much of that before
Right now I only want to be here with you
Till the morning dew comes falling
I want to take you to the island
And trace your footprints in the sand
And in the evening when the sun goes down
We’ll make love to the sound of the ocean

They’re raising banners over by the markets
Whitewashing slogans on the shipyard walls
Witchdoctors praying for a mighty showdown
No way our holy flag is gonna fall
Up here we sacrifice our children
To feed the worn-out dreams of yesterday
And teach them dying will lead us into glory…

Repeat Chorus

Now I know us plain folks don’t see all the story
And I know this peace and love’s just copping out
And I guess these young boys dying in the ditches
Is just what being free is all about
And how this twisted wreckage down on main street
Will bring us all together in the end
And we’ll go marching down the road to freedom…
Freedom

La música en las tertulias donde exponían Gregorio Angelcos y Tere Calderon fue ejecutada por una encantadora Cecilia Almarza y simpático Hugo Knust, ambos amantes de la Bossa.

Gregorio Angelcos y Tere calderon eran nuestros invitados en las Tertulias Literarias de ayer, escritores que se dieron el tiempo de compartir con nosotros, hablarnos de sus obras, desnudar algunos pensamientos, compartir historias.

Es curioso como uno comienza a ahondar en esas almas que viven por y para la palabra, no se si me gustarían sus luchas…, no sé si compartimos las mismas ideas, pero nunca dejo de sorprenderme y de maravillarme incluso, por esa diferencia que nos hace tan únicos. 

Ayer cuando terminó de exponer Gregorio, me fui rauda, era muy tarde para mí, y para varios de los que trabajamos con horario, pero además de la hora, quería arrancar, necesitaba estar sola, necesitaba silenciarme, aquietarme y rumiar con mi mente lo que había recibido. QUe por demás esta decirlo, fue muy valioso, es gente que ha vivido entre palabras, enseñando, estudiando, luchando sus propias batallas, gente en la cual uno siempre tiene o encuentra algo que admirar, como decía alguien, tal vez yo misma, “no quiero nunca dejar de aprender de los que se acercan a mi puerta”.

Me sorprendí con una Tere simpatiquísima, hermosa, sí, una mujer relativamente madura pero hermosa, contando sus historias como cascajos sacados de un bolso valioso, sus dolores, sus exigencias como mujer. (Creo que mujer enamorada).

Él?, serio, sí, creo que necesita ser más serio que ella, tal vez de ahí el encanto. Culto, generoso con las ideas y con la expresión de las mismas. De mirada desnuda. Entrego sin reparos sus ideas políticas, sus tantos quehaceres literarios, su palabra hecha poesía.

En la Música estuvieron Cecilia Almarza y Hugo Knust, ¿quiénes son? Se preguntarán algunos, bueno, acá viene lo sabroso. Ella es escritora, y muy buena, también simpática y histriónica, de esas mujeres que conquistan. Hace algunas semanas estuvo como exponente  en una de las tertulias, Hugo, había caído del cielo, sólo paso a tomarse un café y se quiso quedar un rato, (siempre digo, las casualidades no existen, siempre se está donde se debe y a la hora exacta)  luego enganchó con los poetas y se quedó hasta el final. Cecilia nos contó que además de docente y poeta era cantante de bossa, él abrió unos ojos almendrados y bien proporcionados del tamaño de una aceituna y dijo, “A mí también me gusta el bossa y además canto” (bueno, dijo eso o algo parecido).

Al final quedaron de contactarse, yo les envié el correo de ambos y listo, a las dos semanas estaban agendados para acompañarnos musicalmente. Estuvieron  fantástico, ambos cantan maravillosamente y hacían un dúo que no daban ganas de silenciar.

En fin, en cada una de estas tertulias aprendo algo, incluso de mí misma y del torrente de emociones que corren por las  venas que no tengo.  

William Blake, Elohim creando a Adan

Entre el cielo y la tierra

 Apareció un ángel fantástico, uno que no tiene alas, ni cuerpo pero tiene mil lenguas que escupen cielos celestes en mis manos cuando hace frío.

Un ángel soberbio, grande e impetuoso…, uno que es único, mío.

 Entre ese cielo celeste y esta tierra húmeda apareció ante mí y me mostró todos los senderos y calles, caminos y vías  que palpan mis entrañas pero no mi tacto.

 Y fui libre, tan libre que pude volar de mí misma hasta perderme en sus alas.

Tertulias Literarias Abiertas, martes 3 de Noviembre

Album de fotos, acá.

Creo que la noche de ayer tuvo algo que la hizo diferente, especial, ¿habrán sido los invitados?, siempre tenemos invitados destacables,  ¿entonces qué fue?, no lo sé, seguramente que es primavera.

 El recinto estaba lleno, varios asistentes tuvieron que quedar, lamentablemente de pie. Había mucha juventud, lo que me llena de alegría, había experiencia lo que me llena de gratitud por lo recibido y habían destacados escritores y amigos como invitados, lo que me hizo sentir en casa.

 Partimos con Cristina Araoz poeta argentina que esta de visita en nuestro país. Encantadora, con una experiencia envidiable, profesora de literatura, con más de quince premios en poesía, un buen número de libros editados. Una mujer exquisita de tiempo y experiencia, valorable a morir en calidad humana.

 Él, él era todo un personaje, el Sr. Humberto Zaccarelli, imparte clases en dos universidades de Santiago, por lo tanto varios de sus alumnos lo acompañaron, lo que llenó el aire de renovadora energía. Partimos como es habitual, con música, el grupo de música de la UNIAC interpretó unas piezas en guitarra acompañados por las voces de tres jóvenes que lograron mantener a su público atento y admirado.

Luego partió Humberto con su lectura, las guitarras sonaban tras sus versos como queriendo no  perderse una letra, todos escuchábamos atentos.
Yo me dejé llevar, la música flameaba y ondulaba por las palabras, él se levantó sobre el ápice  del momento y la poesía, su poesía se convirtió en imágenes que iban tomando vida a través de los movimientos de sus manos y cuerpo, (A los pocos minutos de haber empezado tuvo que sacarse la chaqueta).

Humberto Zaccarelli interpretó su poesía magistralmente, nos entregó un espectáculo que hubiera sido pecado no disfrutarlo. No tenía cabida el reloj ni el cansancio. Sólo escuchar atentos la musicalidad de sus poemas y su histriónica y simpática personalidad.

 Varios amigos poetas que nos acompañaron hicieron que la noche fuera aún más redonda y acogedora.

Vida, una vez más, misión cumplida y me voy con la mochila llena de sonrisas.

Alfonsina Storni

Tú me quieres alba,
Me quieres de espumas,
Me quieres de nácar.
Que sea azucena
Sobre todas, casta.
De perfume tenue.
Corola cerrada

Ni un rayo de luna
Filtrado me haya.
Ni una margarita
Se diga mi hermana.
Tú me quieres nívea,
Tú me quieres blanca,
Tú me quieres alba.

Tú que hubiste todas
Las copas a mano,
De frutos y mieles
Los labios morados.
Tú que en el banquete
Cubierto de pámpanos
Dejaste las carnes
Festejando a Baco.
Tú que en los jardines
Negros del Engaño
Vestido de rojo
Corriste al Estrago.

Tú que el esqueleto
Conservas intacto
No sé todavía
Por cuáles milagros,
Me pretendes blanca
(Dios te lo perdone),
Me pretendes casta
(Dios te lo perdone),
¡Me pretendes alba!

Huye hacia los bosques,
Vete a la montaña;
Límpiate la boca;
Vive en las cabañas;
Toca con las manos
La tierra mojada;
Alimenta el cuerpo
Con raíz amarga;
Bebe de las rocas;
Duerme sobre escarcha;
Renueva tejidos
Con salitre y agua;
Habla con los pájaros
Y lévate al alba.
Y cuando las carnes
Te sean tornadas,
Y cuando hayas puesto
En ellas el alma
Que por las alcobas
Se quedó enredada,
Entonces, buen hombre,
Preténdeme blanca,
Preténdeme nívea,
Preténdeme casta.

Poema al lector

En revuelo tus manos
y tu boca toda,
revuelo de ojos y tacto
y todos los mundos…,
los tuyos y míos, en un revuelo sin fin.

Se violentan los minutos,
mientras en sacro silencio me lees,
¡en este instante exacto!,
donde no hay otro más pleno,
que este mismo…,
no hay otro más puro,
que este exacto…,
(y en oleajes silenciosos
tu alma en desorden,
se vierte en la mía)
Alborotado los pensamientos…
en éxtasis las letras,
cuando tus ojos de cuarzo,
negros de silencio,
casi infinitos,
como si nunca hubieran nacido,
jamás muerto.
Hurgan las palabras
en silenciosa letanía.
Y te desplomas en la tinta,
y la tinta en mis manos,
inventando presentes,
resurgiendo en la palabra,
como si no existieses mientras lees,
como si fuese yo un ave.

Y así…,
en este mágico instante,
se une tu ojo a mi pluma,
y en vuelo…, a mi alma.

La tarde esta calurosa, parece que la primavera esta antojadiza, un rato nos envuelve de lluvia, y al otro nos abriga con lindos 34 grados. No hay salud.

Hoy, en este día caluroso es el lanzamiento de un nuevo libro de Jorge del Río, un autor que en lo particular me encanta, tiene una manera de enlazar las palabras que te dejan con esa sensación de querer más, de pensar, esto es más que un juego de palabras que danzan con una buena técnica y justamente es lo que me gusta, lo que diga algo.

Comparto con ustedes el comentario que hizo Reinaldo Marchant, un excelente y carismático escritor, al cual aprecio mucho.  Espero lo disfruten y ya les contaré de “EL mar de los silencios” de Jorge del Rio.

  El Mar de los Silencios

                                         Por Reinaldo Edmundo Marchant

 “Este mar de los silencios/el torrente invisible de la claridad/ que todo lo dice sin hablar”, con este poema, casi a modo de epígrafe, Jorge del Río – Santiago 1955- comienza su nuevo libro, quizás uno de los más  duros y notables escrito en el presente año y, sin duda, el de mayor calidad literaria que el autor a publicado.

 El texto, sacado a luz por Pequeño Dios Editores, contiene en esta primera edición el cuidado y la lectura de los poetas Oscar Hahn y Mauricio Barrientos. Es un poemario que le llevó tiempo y largo trabajo a del Río, se aprecia en la pulcritud, economía de lenguaje y exactitud de cada palabra.

 Desde principio a fin hay audacia en soltar las metáforas y las bestias interiores enjauladas desde tiempos inmemoriales.

 A pesar de ser un autor metafísico, existencialista por naturaleza, la profundidad de sus inquietudes las expresa claramente, con ritmo y musicalidad, con descripciones del cuerpo y el alma humana que van cayendo a la manera de un escalofrío, de luces y sonidos, como el nacimiento monocorde de las vidas que se mueven sin  explicar sus itineraios, “si es que transcurre acaso algo/en este tiempo/el vacío/la línea uniforme/de su laboreo enrarecido/con herramientas fijas/y los ojos fijos también/desteñidos (página 15)”.

 Asombra la vorágine, que cautiva, inserta en las palabras, lo hacen regresar y volver a adentrar en la poética demasiado terrenal, “continúa paseando/creyéndose inmortal/la pestilencia imparable/de sus restos por los alrededores/del entumecimiento/de las aceras/su mortaja/de cadáver vivo/sin que nadie/nadie le  pregunte/siquiera/cuándo será/o si será por fin/ enterrado…(página 17)”.

 Está, especialmente, el diálogo eterno  con el mar, “Hablar con el océano/ por su boca llena de olas/y oírlo despedazarse (página 19)”, “Dejé de temerle/cuando comencé a embeber el miedo a los latidos/aburrido de mirar el mar/vaciándose a la orilla de mis pies (página 35)”.

 Jorge del Río, habitante solitario de su  mundo, camina, se detiene, pregunta con dolor, hace giros poéticos, filosóficos, devela la miseria existencial, la bruma que acecha a quien haya traspasado el umbral de las cosas permitidas: “Cuando al otro mundo pase/si es que hay otro mundo a donde pasar/igual no sabré que en éste anduve/ni que fui un muerto más entre estos muertos/un desnacido llegado al otro/ esperando jamás volver desde lo remoto (página 33)”.

 Se sabe y reconoce que “los locos abren los caminos que más tarde recorren los sabios (Carlos Dossi)”, del Río pareciera seguir esta regla, husmeando las huellas,  las imágenes que van legando esos personajes oscuros, anónimos, que viven de espalda a las abúlicas tradiciones: “Bajando se le vio al orate/al costado poniente del cerro Santa Lucía/el pelo le  ensuciaba  los hombros/la barba crespa su pecho/una mano mendigaba a la otra el último sorbo/de ese día descalzo y sucio expiraba el invierno (página 43)”, y más adelante insiste: “Hay demasiados sonámbulos saboteando las madrugadas/misioneros del enfeudado fabricándose en grupos…”, “Y aquel desesperado cabizbajo/ese disonante en los cascabeles del reproche/levanta deshilachado su refugio de triunfo/desde la misma ceguera de los muertos (página 75)”.

 Jorge del Río ha escrito un texto poético con mayúscula, un  poemario lleno de metáforas, insinuaciones literarias, meditaciones por geografías nocturnas, donde el dolor de la carne es el dolor de los transeúntes ausentes. Se ve una mano con oficio, se ven tenazas para tomar y levantar, como en las ruedas de molino, desde las aguas, en cestos lúdicos, el viaje eterno e inútil de los demás, y el propio, por supuesto.

Isabel Larrain no apareció, raro.. la llamamos por teléfono y se había traspapelado, en fin, cosas de la vida. En lugar de ella nos acompañó la nieta de Pablo de Rokha, Patricia (La pato) quién leyo un extracto de su obra. La guinda de la torta fue Edmundo Moure, encantador, carismático y buen escritor, qué más se podrá pedir?.

Pinchar foto para ver el album.

VI
La tierra toda me embriaga
Y raíces de barro sostienen mi cara
Y soy toda tierra, árbol, aire.

XXX

Tengo una profundidad
que no logro atravesar,
duerme a mi lado furibunda,
extraviada,
mientras un silbido inocente
se escapa de mis ojos mientras rezo.

Para Millina pequeña, Gorok y tantos niños que me gustaría abrazar…

EL ROMANCE DE LA NIÑA NEGRA.  (Luis Cané)

(Con este, llorabamos cada vez que mi madre lo recitaba, ¡¡que terrible!!)

Toda vestida de blanco,
almidonada y compuesta,
en la puerta de su casa
estaba la niña negra.

Un erguido moño blanco
decoraba su cabeza;
collares de cuentas rojas
en su garganta dan vueltas.

Las otras niñas del barrio
juegan en la vereda;
las otras niñas del barrio
no quieren jugar con ella.

Toda vestida de blanco,
almidonada y compuesta,
en un silencio sin lágrimas,
lloraba la niña negra.

Toda vestida de blanco,
almidonada y compuesta,
en un féretro de pino
reposa la niña negra.

A la presencia de Dios
un ángel blanco la lleva;
la niña negra no sabe
si ha de estar triste o contenta.

Dios la mira dulcemente,
le acaricia la cabeza
y hermosas alas blancas
a sus espaldas sujeta.

Los dientes de mazamorra
brillan en la niña negra.
Dios llama a los ángeles
y dice: “Jugad con ella”.

Margarita (Rubén Darío)

Margarita, está linda la mar,
y el viento
Ileva esencia sutil de azahar;

yo siento
en el alma una alondra cantar
tu acento.
Margarita, te voy a contar
un cuento.

Éste era un rey que tenía
un palacio de diamantes,
una tienda hecha del día
y un rebaño de elefantes,
un kiosco de malaquita,
un gran manto de tisú
y una gentil princesita,
tan bonita,
Margarita,
tan bonita como tú.

Una tarde la princesa
vio una estrella aparecer;
la princesa era traviesa
y la quiso ir a coger.

La quería para hacerla
decorar un prendedor,
con un verso y una perla,
una pluma y una flor.

Las princesas primorosas
se parecen mucho a ti:
cortan lirios, cortan rosas,
cortan astros. Son así.

Pues se fue la niña bella,
bajo el cielo y sobre el mar,
a cortar la blanca estrella
que la hacía suspirar.

Y siguió camino arriba,
por la luna y más allá;
mas lo malo es que ella iba
sin permiso del papá.

Cuando estuvo ya de vuelta
de los parques del Señor,
se miraba toda envuelta
en un dulce resplandor.

Y el rey dijo: “¿Qué te has hecho?
Te he buscado y no te hallé;
y ¿qué tienes en el pecho,
que encendido se te ve?”

La princesa no mentía.
Y así, dijo la verdad:
“Fui a cortar la estrella mía
a la azul inmensidad”.

Y el rey clama: “¿No te he dicho
que el azul no hay que tocar?
iQué locura! iQué capricho!
El Señor se va a enojar”.

Y dice ella: “No hubo intento;
yo me fui no sé por qué;
por las olas y en el viento
fui a la estrella y la corté”.

Y el papá dice enojado:
“Un castigo has de tener:
vuelve al cielo y lo robado
vas ahora a devolver”.

La princesa se entristece
por su dulce flor de luz,
cuando entonces aparece
sonriendo el Buen Jesús.

Y así dice: “En mis campiñas
esa rosa le ofrecí:
son mis flores de las niñas
que al soñar piensan en mí”.

Viste el rey ropas brillantes
y luego hace desfilar
cuatrocientos elefantes
a la orilla de la mar.

La princesita está bella,
pues ya tiene el prendedor
en que lucen, con la estrella,
verso, perla, pluma y flor.

Margarita, está linda la mar
y el viento
Ileva esencia sutil de azahar:
tu aliento.

Ya que lejos de mí vas a estar,
guarda, niña, un gentil pensamiento
al que un día te quiso contar
un cuento.

Si están con tiempo y quieren leer una maravilla, les dejo este. El violín de Yanko.

El sueño de Bismark (Fantasía)

Arthur Rimbaud

Un cineasta francés descubrió, por azar, un texto desconocido de uno de los más influyentes poetas del siglo XIX, Arthur Rimbaud.

El cineasta, Patrick Taliercio, de 32 años, encontró el documento en Charleville, la ciudad del norte de Francia donde Rimbaud nació en 1854.

Taliercio, quien está realizando un documental sobre el poeta, buscaba información en una librería de viejo cuando el dueño, François Quinart, le mostró tres ejemplares del periódico Le Progrès des Ardennes.

En uno de ellos, del 25 de noviembre de 1870, que el cineasta compró por 30 euros, aparecía un artículo titulado “El sueño de Bismarck (Fantasía)” firmado por un tal Jean Baudry.

Taliercio sabía que ése era uno de los pseudónimos de Rimbaud.

Poemas rechazados

Rimbaud escribió el texto cuando tenía 16 años de edad.

Paul Verlaine dijo que Rimbaud era “un poeta maldito”.

Los especialistas sabían que él había tratado de que le publicaran poemas en Le Progrès des Ardennes, que habían sido rechazados.

Pero hasta ahora se desconocía que hubiera aparecido este texto del “poeta maldito” que, poco después, sorprendería al mundo con “El barco ebrio” (1871), “Una temporada en el infierno” (1873) e “Iluminaciones” (1874).

Rimbaud tomó el pseudónimo de la comedia “Jean Baudry”, de Auguste Vacquerie, un amigo cercano de Víctor Hugo.

El texto, que incluye algunas frases en italiano, como “Hi! povero!” (¡El pobre!), se centra en el primer ministro de Prusia, Otto Eduard Leopold von Bismarck, en un momento en que las tropas de Napoleón III estaban sitiadas durante la guerra franco-prusiana.

De hecho, tal vez Rimbaud nunca supo que el artículo se publicó porque, un mes después, la imprenta de Le Progrès des Ardennes fue destruida por el fuego enemigo.

BBC Mundo a continuación le ofrece la que creemos que es la primera traducción al español de este texto, realizada por nuestro colega Manuel Toledo.

La traducción trata de respetar el peculiar uso de los signos de puntuación de Rimbaud.

Al frente, aparece el original en francés.

El sueño de Bismark

Fantasía

Arthur Rimbaud

(Tomado en su totalidad de BBC de Londres)

Es de noche. En su tienda, llena de silencio y de sueño, Bismarck, con un dedo sobre el mapa de Francia, medita; de su inmensa pipa se escapa una voluta de humo azul. Bismarck medita. Su índice encorvado camina, sobre el papel vitela, del Rin al Mosela, del Mosela al Sena; con la uña, rayó imperceptiblemente el papel alrededor de Estrasburgo: continúa.

En Sarrebruck, en Wissemburgo, en Woerth, en Sedan, se estremece, el dedito encorvado: acaricia a Nancy, araña a Bitche y Falsburgo, raya a Metz, traza pequeñas líneas rotas sobre las fronteras, -y se detiene…

Triunfante, Bismarck ha abarcado con su índice la Alsacia y la Lorena! – Oh! cuántos delirios de avaro, bajo su cráneo amarillo! Que deliciosas nubes de humo emite su pipa feliz!

Bismarck medita. Vaya! un enorme punto negro parece detener al índice retozón. Es París.

Así, la uñita mala, de rayar, de rayar el papel, de aquí para allá, con furia, – en fin, de detenerse… El dedo se queda ahí, medio doblado, inmóvil.

París! París! – Y bien, el buen hombre ha soñado tanto con los ojos abiertos, que, dulcemente, la soñolencia se apodera de él: su frente se ladea hacia el papel; maquinalmente, la cazoleta de su pipa, se escapa de sus labios, cae sobre el infame punto negro…

Hi! povero! abandonando a su pobre cabeza, su nariz, la nariz del Sr. Otto von Bismarck, se sumergió en la cazoleta ardiente Hi! povero! va povero! en la cazoleta incandescente de la pipa, Hi! povero! Su índice estaba sobre París! Se acabó, el sueño glorioso!

Era tan fina, tan espiritual, tan feliz, esa nariz de viejo primer diplomático! – Esconda, esconda esa nariz!

Y bien! querido, cuando, para compartir el chucrut real, usted regrese al palacio (…) con los crímenes de… dama (…) en la historia, usted llevará eternamente su nariz carbonizada entre sus ojos estúpidos!

(faltan líneas)

Ahí tiene! Quién lo mandó a soñar despierto!

(Tomado en su totalidad de BBC de Londres, 23 de mayo de 2008)

Otra más de la saga… “me gusta la poesía”

Esta será dedicada a los Sonetos. Veamos que es un soneto; son poemas escritos con cuatro estrofas (catorce versos endecasílabos) y cada verso de once sílabas métricas (también hay de doce y catorce). Se distribuyen en dos cuartetos (cuatro versos) y dos tercetos (tres versos) y tienen un juego rítmico variable, puede ser ABBA ABBA y CDC DCD o CDE CDE, por supuesto que con el tiempo estas reglas se han ido rompiendo, llamándose sonetos blancos, incluso a poemas que de Sonetos sólo conservan los catorce versos, como el que va al final escrito por Pablo Neruda.

Creo que la gracia de este tipo de poesía, la “trabajada” es que el poeta debe mantener la armonía y belleza de lo dicho, pero haciendo calzar cada una de estas piezas en el juego poético. Buen desafío para los que nos llamamos poetas.

Un verso libre o blanco como también se le denomina, es un verso que no tiene reglas, puede ser escrito con la cantidad de versos que se quiera, sin control métrico ni restricciones en la rima.

Mmmm… bastante más fácil o no?…

Acá, algunos de los que más me gustan. Elijan…

NECESITO DE TI (Rafael de Leon)

Necesito de ti, de tu presencia,
de tu alegre locura enamorada.
No soporto que agobie mi morada
la penumbra sin labios de tu ausencia.

Necesito de ti, de tu clemencia,
de la furia de luz de tu mirada;
esa roja y tremenda llamarada
que me impones, amor, de penitencia.

Necesito tus riendas de cordura
y aunque a veces tu orgullo me tortura
de mi puesto de amante no dimito.

Necesito la miel de tu ternura,
el metal de tu voz, tu calentura.
Necesito de ti, te necesito

LO INEFABLE (DELMIRA AGUSTINI)

Yo muero extrañamente…No me mata la vida
no me mata la muerte, no me mata el amor;
muero de un pensamiento mudo como una herida…
¿No habeis sentido nunca el extraño dolor?

De un pensamiento inmenso que se arraiga en la vida
devorando alma y carne, y no alcanza a dar flor?
¿Nunca llevasteis dentro una estrella dormida
que os abrazaba enteros y no daba un fulgor?…

¡Cumbre de los martirios!…llevar eterrnamente
desgarradora y árida, la trágica simiente
clavada en las entrañas como un diente feroz!

Pero arrancarla un día en una flor que abriera
milagrosa, inviolable…¡Ah más grande no fuera
tener entre las manos la cabeza de Dios!…

EXPLOSION FEBEA (DELMIRA AGUSTINI)

¡Si la vida es amor, bendita sea!
¡Quiero más vida para amar! Hoy siento
que no valen mil años de la idea
lo que un minuto azul del sentimiento.

Mi corazón moría triste y lento…
Hoy abre en luz como una flor febea;
¡la vida brota como un mar violento
donde la mano del amor golpea!

Hoy, partió hacia la noche, triste, fría,
rotas las alas mi melancolía;
como una vieja mancha del dolor

En la sombra lejana se deslíe…
¡mi vida toda canta, besa, ríe!
¡Mi vida toda es una boca en flor!

SOY (ALFONSINA STORNI)

Soy suave y triste si idolatro, puedo
Bajar el cielo hasta mi mano cuando
El alma de otro al alma mía enredo.
Plumón alguno no hallarás más blando.

Ninguna como yo las manos besa,
Ni se acurruca tanto en un ensueño,
Ni cupo en otro cuerpo, así pequeño,
Un alma humana de mayor terneza.

Muero sobre los ojos, si los siento
Como pájaros vivos, un momento,
Aletear bajo mis dedos blancos.

Sé la frase que encanta y que comprende
Y sé callar cuando la luna asciende
Enorme y roja sobre los barrancos

SONETOS DE LA MUERTE (GABRIELA MISTRAL)

Del nicho helado en que los hombres te pusieron,
te bajaré a la tierra humilde y soleada.
Que he de dormirme en ella los hombres no supieron,
y que hemos de soñar sobre la misma almohada.

Te acostaré en la tierra soleada con una
dulcedumbre de madre para el hijo dormido,
y la tierra ha de hacerse suavidades de cuna
al recibir tu cuerpo de niño dolorido.

Luego iré espolvoreando tierra y polvo de rosas,
y en la azulada y leve polvareda de luna,
los despojos livianos irán quedando presos.

Me alejaré cantando mis venganzas hermosas,
¡porque a ese hondor recóndito la mano de ninguna
bajará a disputarme tu puñado de huesos!

HOMBRE (BLAS DE OTERO)

Luchando, cuerpo a cuerpo, con la muerte,
al borde del abismo, estoy clamando
a Dios. Y su silencio, retumbando,
ahoga mi voz en el vacío inerte.

Oh Dios. Si he de morir, quiero tenerte
despierto. Y, noche a noche, no sé cuándo
oirás mi voz. Oh Dios. Estoy hablando
solo. Arañando sombras para verte.

Alzo la mano, y tú me la cercenas.
Abro los ojos: me los sajas vivos.
Sed tengo, y sal se vuelven tus arenas.

Esto es ser hombre: horror a manos llenas.
Ser —y no ser— eternos, fugitivos.
¡Ángel con grandes alas de cadenas!

A Cristo crucificado  (Anónimo) e infaltable…
 
No me mueve, mi Dios, para quererte,
el cielo que me tienes prometido,
ni me mueve el infierno tan temido
para dejar por eso de ofenderte.

Tú me mueves, Señor, muéveme el verte
clavado en esa cruz y escarnecido,
muéveme ver tu cuerpo tan herido,
muévenme tus afrentas y tu muerte.

Muéveme, en fin, tu amor, y en tal manera,
que aunque no hubiera cielo, yo te amara,
y aunque no hubiera infierno, te temiera.

No me tienes que dar porque te quiera,
pues aunque lo que espero no esperara,
lo mismo que te quiero te quisiera.

SONETO III (PABLO NERUDA) (Soneto blanco)

Aspero amor, violeta coronada de espinas,
matorral entre tantas pasiones erizado,
lanza de los dolores, corola de la cólera,
por qué caminos y cómo te dirigiste a mi alma?
Por qué precipitaste tu fuego doloroso,
de pronto, entre las hojas frías de mi camino?
Quién te enseñó los pasos que hasta mí te llevaron?
Qué flor, qué piedra, qué humo mostraron mi morada?
Lo cierto es que tembló la noche pavorosa,
el alba llenó todas las copas con su vino
y el sol estableció su presencia celeste,
mientras que el cruel amor me cercaba sin tregua
hasta que lacerándome con espadas y espinas
abrió en mi corazón un camino quemante.

CHARLES BAUDELAIRE:

Encontramos en la poesía de Charles Baudelaire un doble aspecto de interés; como ocaso del Romanticismo y como puente hacia la Literatura Simbolista y precursor de la poesía del siglo XX. Trabajaremos la poética de Baudelaire como precursora del Simbolismo en tres aspectos esenciales, siguiendo el enfoque, en parte de A. Balakian “El movimiento Simbolista”:

a) En su concepción del “poeta”;

b) en su concepción de la Poesía, y

c) en el delineado del perfil del Decadente, tan importante en la estética de la escuela y del movimiento finisecular que hemos llamado Simbolismo.

En su concepción del Spleen , asco de sí mismo, o hastío, Baudelaire se aleja del Romanticismo y se acerca a la poesía pos- romántica. Baudelaire vuelve sobre sí mismo para hundirse en la perversidad que lo llevará a la destrucción y a la muerte.

El primer aspecto en que nos fijaremos es entonces en ese concepto del Poeta que cambió decididamente la poesía occidental.

Mientras que la poesía de corte hugoniano concibe al poeta como un profeta que ilumina el porvenir, por lo tanto, su misión es sagrada, en Baudelaire el poeta es un ser sufriente y agobiado, que está rodeado de sordos oídos y pétreos espíritus.

En el poema LES PHARES encontramos ya un mundo nuevo: la poesía es testimonio de dolor y de la dignidad humana en medio del llanto. Si bien con el símbolo del Faro, retoma un tema de estirpe romántica acá aparece decididamente transformado: el poeta es un ser sufriente que puede además llegar a ser desafiante.

Baudelaire introduce en 1859 la palabra modernidad, captar en la ciudad la belleza hasta ahora no descubierta. Lo moderno es lo transitorio y lo fugitivo: el poeta debe sacar de lo eterno de lo transitorio. ¿En qué se convierte entonces el poeta, poco a poco desde Baudelaire? Creemos que hay en esta concepción un intento de reservarle al poeta un espacio privado, luminoso, que le permita descifrar las analogías del universo. Está pues fundando la actitud estetizante y aristocrática de los futuros torremarfilistas.

El poeta se transforma entonces en un decodificador del universo, un descifrador o intérprete visionario que ve allí donde los demás se encuentran perdidos. Por eso el dolor.

“Esas maldiciones, esas blasfemias, esos lamentos,
esos éxtasis, esos gritos, esos lloros, esos Te Deum,
son un eco repetido por mil laberintos;
para los corazones mortales son un opio divino

Es un grito repetido por mil centinelas,
Una orden que mil portavoces envían;
Es un faro iluminado mil ciudadelas,
Un llamado de cazadores perdidos en los grandes bosques

Pues es realmente, Señor el mejor testimonio
que podemos dar de nuestra dignidad
ese ardiente sollozo que rueda a través de los siglos
y que viene a morir a la orilla de vuestra eternidad”

En este texto de enorme belleza ya concibe Baudelaire al nuevo poeta contemporáneo: en potencia hay ricos elementos que conformarán ya la estética simbolista. Es un testimonio ardiente del concepto del poeta; se mueve en medio de la oscuridad para iluminar pero es maldito porque ve y sabe lo que no debería, y canta lo que no se quiere escuchar. Hay sufrimiento en cada uno de los hemistiquios que plasman el ritmo entrecortado del llanto, además con el discurso asindético. Esos cazadores son los poetas, y si entendemos etimológicamente la palabra Símbolo, en una de sus acepciones podemos ver que se asimila a “red” o malla para atrapar. ¿Qué atrapa el poeta? Debe traducir, atrapar los significados ocultos. La simbología de los “bosques” por ejemplo va a ser intensamente explotada por la imaginería simbolista, en tanto objetivación de lo inconsciente, de los laberínticos espacios interiores. En el pensamiento primitivo, la asociación entre el bosque y el peligro, lo misterioso e intrincado, llevó a que se rindiera culto a los dioses allí o se los ubicara como morada de ellos. Es el poeta el que, con su verbo, debe traducir los símbolos trascendentes en IMÁGENES que acerquen al hombre a lo sublime.

El sufrimiento del poeta por encontrar el verbo, la fórmula del lenguaje evocador, es lo que sin embargo testimonia la dignidad del hombre, que pese a todo se sabe finito, se sabe mortal. Frente a la Creación el poeta encuentra sólo vestigios de la divinidad y busca plasmarlos en símbolos, en analogías que operen en el lector una suerte de encantamiento sublime…”opio divino”. El poema transforma ese concepto del poeta como iluminado y lo perfila como hiperlúcido y sufriente de su condición.

Poetizar, trabajar artísticamente, la mimesis del universo se vuelve grito y blasfemia. El poeta ya no es un historiador a lo Hugo, sino un antihistoriador, que se maneja no lo terreno sino lo eterno. El artista debe apelar a las resonancias de su obra. Elige para este poema una verdadera pinacoteca privada, en la que desfilan desde Rubens hasta Delacroix, y las sutiles melodías de Weber para elaborar un concepto del artista: el Arte es la forma de trascendencia y de atisbar las luminosas esferas de la eternidad, experiencia que desde ya un espíritu como el de Baudelaire entrevió como agonía. Dirá Baudelaire a propósito de LAS MUJERES DE ARGEL de Delacroix: “Este poemita íntimo, saturado de reposo y de silencio, repleto de ricas telas y de baratijas de adornos, exhala no sé qué agudo perfume de rincón perverso que nos transporta rápidamente a los insondables limbos de la tristeza…”. En este juicio Baudelaire hace poesía de la pintura por primera vez en el siglo XIX. . No olvidemos que Baudelaire fue un verdadero precursor de la crítica de Arte, y que en este poema, realiza desde lo lingüístico una poética de la plástica.

“Los Faros”, es un testimonio del concepto baudeleriano de poeta y su función en el mundo, y resulta además un excelente ejemplo para concebir otro aspecto que desde Baudelaire fertilizó la poética ya no sólo del fin de siglo, sino de todo el arte del siglo XX: la fusión de las artes . Once estrofas en las que ocho están dedicadas por un vocativo inicial y una metáfora reveladora de la esencia de cada artista
En el intento de escapar del Tedio de la negrura de la vida, Baudelaire encuentra los Paraísos Artificiales. En el Poéme du haschís, concibe toda una teoría sobre la estimulación artificial del intelecto que rompe la concepción de la inspiración poética como la entendía el Romanticismo. Pero la Muerte se ofrece como salida a un espacio liberador, desconocido y atrapante. Recordemos que si bien él se tenía por un Dandy, en realidad su terrible atracción por el “gouffre”, el Abismo, lo perfila como el precedente genuino del Decadente y del poeta Simbolista.

En la aspiración de Baudelaire a un mundo más vasto y significativo encontramos un antecedente del torremarfilismo simbolista.

Se acerca al concepto del poeta insatisfecho de su entorno, del que ya no encuentra saciedad alguna en las cosas del mundo en uno de los SPLEEN que más perfilan el futuro Decadente, pero que sobre todo, anteceden la poética del mal de Lautréamont-Maldoror.

Su interés por el gouffre, por el abismo, sitúa su interés por su destino personal en un nivel metafísico y en este sentido es un precursor indiscutible de la escuela del 1885, especialmente de Mallarmé, quien en su obra poética no hace otra cosa que traducir en símbolos los arcanos del universo. Esta preocupación por el abismo, sea por lo Celeste, L’AZUR o su oxímoron las profundidades del Mal, se convertirá en la clave del espíritu decadente. El “coqueteo” con la muerte será manantial de donde beban los simbolistas. En este poema vemos el poeta maldito, el insatisfecho, el hastío y el Spleen:

“Soy como el rey de un país lluvioso,
rico pero impotente, joven pero muy viejo,
que de sus preceptores desprecia las reverencias

……………..

Nada puede alegrarlo, ni caza ni halcón

……………..

su lecho flordelisado se transforma en tumba

……………

No ha sabido entibiar ese embrutecido cadáver
Donde corre en vez de sangre el agua verde del Leteo.”

Algo desde el punto de vista retórico muy importante aparece en este poema y es el cultivo de lo hiperbólico y más aún del oxímoron que serán recursos de la futura imaginería simbolista. El poeta se define como rey pues se presenta aún una postura artística bastante aristocrática, pero la decadencia es brutal, hasta el logradísimo oxímoron ya casi lautreamoniano: “joven esqueleto”.

Poe fue esgrimido como arquetipo del decadente gracias a Baudelaire y Wagner el disparador intelectual de nuevas asociaciones para la comunicación poética.

La muerte y bucear en el mal se vuelven para Baudelaire medios para escapar del tedio, y en este sentido ya es un forjador del concepto que luego Verlaine llamaría POETA MALDITO y un antecedente de lo que llamaremos ANTROPOFAGIA CULTURAL en la poesía del Conde de Lautréamont. En cuanto a la voluntad de huir que hereda de los románticos, Baudelaire la encauza a las oscuras esquinas de la Rue de S. Antione…

El poeta se transforma entonces en un DESCIFRADOR, en un TRADUCTOR que ve allí donde los demás están ciegos. Esto nos hace pensar en una novela de José Saramago “ENSAYO SOBRE LA CEGUERA”, en la que toda una comunidad queda ciega por una desconocida fatalidad, pero la única que permanece con el don de la vista, la “mujer del médico” es en realidad la que más sufre, la que ahoga su humillación y su llanto en la aguda conciencia de ser el único guía, la iluminada maldita que observa las más repugnantes facetas de la humanidad.

La voluntad de DESCIFRAR como un egiptólogo, tiene interesantes puntos de contacto con la estética simbolista en tanto el Simbolismo trabaja a partir de un discursos de fuerte poder evocador, sugestivo y hechizante a partir de la asociación de tipo musical: en este sentido el empleo de la imagen como recurso clave estableciendo puentes analógicos entre realidades.

Esta idea de las asociaciones secretas deviene del pensamiento swedenborgiano y están interesantemente planteadas por Baudelaire en el soneto CORRESPONDANCES.

Pero hemos elegido otro poema para ejemplificar el tema del lenguaje pre- simbolista en Baudelaire, y la acabada plasmación de las asociaciones del universo interior del artista y el Macrocosmos: HARMONIE DU SOIR:

“Llega la hora en que vibrando sobre su tallo
cada flor se evapora igual que un incensario;
los sonidos y los perfumes giran en el aire de la tarde;
¡Vals melancólico y lánguido vértigo”

La fórmula mágica es la IMAGEN , y el hechizo está también en el valor fónico del lenguaje.

Creemos que la sensualidad y el poder hechizante del verbo en este poema es conmovedor. El manejo exquisito del matiz, de la imagen en función de la sensibilidad frente al ocaso: el hombre extasiado frente al cielo del atardecer y al espectáculo sensual de la naturaleza empapada de correspondencias con el espíritu humano.

La estructura toda del poema tiene un trabajo simbolista en esencia; el segundo y cuarto verso de cada estrofa se reitera en el primer y tercer verso de la siguiente a modo de “puente comunicante” en la partitura musical. Los únicos versos que no se repiten son el primero del poema, y el segundo y el cuarto de la última estrofa.

Las resonancias en el francés son bellísimas.

“Del pasado luminoso recoge todo vestigio
………………
Tu recuerdo resplandece en mí como un ostensorio”

Desde el título mismo se abandona la estructura del pensamiento racional por una sensibilidad musical, por el lenguaje de la Música.

Baudelaire demuestra en todo el poema cómo la realidad exterior realiza su más estrecha correspondencia con la vida interior del poeta cuando se encarna en las formas musicales. Todo el poema está sustentado en un discurso indirecto y la comunicación poeta lector se da a través de las imágenes y es en este sentido que lo encontramos como texto precursor del Simbolismo. La conexión con Verlaine es evidente: la música se vuelve vehículo de expresión de ideas por su sustancia simbólica.

Si bien el poema está construido en base a la analogía entre el ritmo del atardecer y el progresivo ensimismamiento del poeta podemos caer en el riesgo e sospechar un sentido romántico: pero no hay trascendentalismo en el texto, como estilaba la poesía romántica. Ni hay paralelismo entre psiquis y cosmos sino una proyección del hundimiento del corazón del poeta en su propio abismo:

“El sol se ha ahogado en la sangre endurecida”

Aquí la naturaleza no abarca al poeta sino que sirve como instrumento, como correlato objetivo para la expresión poética. Aparecen también formas difusas, matices, perfumes, el incienso, por ejemplo: reproduce una atmósfera saturada de reminiscencias sensuales, que nos “transporta” a lo oriental, lo erótico y exótico; pero por otro lado el incienso es lo que se usa para purificar los recintos sagrados. Hay una contradicción radical que se resuelve sin embargo en una sensación sola a nivel estilístico y poético:

apenas perceptible silueta de la flor intensamente perfumada, en el claroscuro del ocaso.

También aparece otro indicador que será ampliamente trabajada por los simbolistas: el “Cielo”, dirá Mallarmé “ese gran hombre”.

Este incipiente deslumbramiento ante el Azur que aún en Baudelaire no termina de cuajar porque el poeta no puede elevar la mirada, todavía el abismo es imán más poderoso.

“El cielo está triste y hermoso como un gran altar”: La comparación continúa la línea de reminiscencias sacras, en la que el hombre se vuelve devoto no a dios sino a

“La nature est un temple où de vivants piliers”….

En “Harmonie…” también los perfumes, los colores y los sonidos se responden; músicas sutiles, livianas que parecen fundirse en el clima de embriaguez sensual del poema. “Le violon frèmit comme un coeur qu’on afflige”

Los acordes verlinianos ya parecen escucharse. La relación entre la música y los sentidos ya la experimentaría Baudelaire sobre todo en su devoción por Wagner, amor que compartirá con los simbolistas. Pero junto a la simulación de la estructura musical en el texto también hay un juego de sonidos musicales : el estado interior del hombre, su tristeza, está modelado con cualidades de la naturaleza. Aquí Baudelaire ejemplifica el poema simbolista; la verdadera personificación de lo mental a través de las manifestaciones de la naturaleza: música, violines, ocasos y altares: del Romanticismo al simbolismo. Viniendo de los románticos, Baudelaire evidencia una nueva concepción del artificio poético. Más allá de la Inspiración que hereda de sus antepasados literarios, la poesía se transforma en él en una voluntad de arquitectura, en un esfuerzo por racionalizar esa actividad, por convertirla en una tarea pura del intelecto. Anuncia en este sentido a Mallarmé y también a Verlaine.

Para Baudelaire es la IMAGINACIÓN FANTASIA y SUEÑO el manantial de inspiración y en este sentido es un claro antecedente del Surrealismo.

La poesía surge entonces como posibilidad de salvar de lo temporal los sueños del hombre y salvarlo a él mismo de la certidumbre del tiempo destructor.

“La fantasía descompone toda la creación y con los materiales recogidos(…) crea un mundo nuevo”: esta frase es también un anticipo de la pintura Impresionista y de la plástica contemporánea. Baudelaire llega más lejos: vincula la Matemática y la Música, anunciando al jefe de Escuela del Simbolismo. Es quien incorpora además sabiamente a la crítica y a la poesía la tarea literaria como construcción consciente, la palabra adquiere un valor especial por sí misma y en asociación con las demás del enunciado.

a) La fuerza evocadora de las palabras por el poder transformador de las imágenes,

b) La concepción del poema como construcción consciente

c) Su perfil de decadente avant la lettre;

la elección de la sinestesia y la imagen poética como quid de la exposición indirecta de los estados espirituales más complejos; la estimulación musical cuyos efectos entrevé multidimensionales son los puntos en los que nos apoyamos para plantear a Baudelaire como precursor del Simbolismo francés de fin de siglo.

Parte de la poesía baudeleriana contiene los gérmenes de la sensibilidad del hombre del siglo XX y su técnica ya casi es simbolista: inauguran la nueva poesía de la modernidad. Hallar en la deshumanización de la ciudad una nueva misteriosa belleza, es la clave que nos lleva a establecer paralelismos con la “poética del mal “de Lautréamont

Si CORRESPONDANCES y HARMONIE son clarísimos textos pre- simbolistas, si AU LECTEUR y SPLEEN sugieren la desintegración de los valores y la descomposición lenta y sinuosa del hombre “civilizado” que alimenta “un millón de helmintos” en su cerebro, es con la poética de Lautréamont que esto llega al escándalo, al escarnio. A la rutilante denuncia que el alter- ego MALDOROR hace de un mundo que se ha regodeado en la Orfandad metafísica no para crear una alternativa de trascendencia, aunque sea en el Mal, sino que se ha deshumanizado “civilizadamente”.
“Expresaré pacientemente todas las razones de mi asco al género humano. Cuando esté absolutamente solo, buscaré una religión…y en el momento de la muerte abjuraré de esta religión para mostrar mi asco a la estupidez universal”. Esta cita, que está extractada de J.P. Sartre, de la carta que Baudelaire le escribiera a Ancelle en 1864, nos sirve para entroncar con nuestra segunda etapa de estudio: si vimos que la poética baudeleriana es un antecedente simbolista, la poética de LES CHANTS DE MALDOROR también lo es.

Baudelaire ve en Satán el prototipo de belleza dolorosa: vencido, caído, culpable, desterrado del universo. El mal, dirá Baudelaire, se hace sin esfuerzo, naturalmente, el bien es siempre producto de un arte.

Dice Sartre, Baudelaire vivó en una época en la que acababa de inventarse el porvenir. Tuvo de nacimiento, en una época determinista, la intuición de que la vida espiritual no se nos da sino que hay que construirla y su lucidez reflexiva le permitió formular el ideal de la posesión de sí mismo: el hombre es verdaderamente él mismo tanto en el bien como en el mal. “Siempre me ha obsesionado la imposibilidad de explicarme ciertas acciones o pensamientos repentinos del hombre sin la hipótesis de la intervención de una fuerza maligna, exterior a él”. Carta a Flaubert 1860.

Eligió Baudelaire encontrar su voluptuosidad en la insatisfacción más que en la posesión. Es horror a la vida y temor perpetuo a ensuciarse. Eligió el suicidio simbólico, pues en él el crimen es concertado, deliberadamente realizado. No corresponde de ningún modo a la desidia: es un contra bien : la creación poética lo seduce porque le permite ejercer su libertad sin peligro.

 Tomado de: http://www.ucm.es/info/especulo/numero21/malditos.html

Sin duda este fue el poeta que me enseñó a leer poesía. Siguiendo con esta propuesta poética, ahora me voy con un poema de Rafael de Leon, escrito deliciosamente en octosílabos, con estrofas de seis, diez y doce versos, y unas pocas estrofas emparejadas que se pierden en el poema. Se les denomina romance (poema típico del siglo XV escritos principalmente  en octosílabos y con versos pares de rima asonantes y versos sueltos)

Es intenso, lleno de vida, donde el lector se siente identificado ya que le llega un mensaje claro.

Me dirán “otra época”, ¡que importa!, lo que es hermoso perdura y se sigue admirando a través del tiempo.  Pensaría Sócrates que su “sólo sé que nada sé”, seguiría repitiéndose dos mil trescientos años después?.. (el otro será un poco más contemporáneo)

Pena y Alegría del Amor

Mira cómo se me pone
la piel, cuando te recuerdo…

Por la garganta me sube
un río de sangre fresco,
de la herida que atraviesa,
de parte a parte mi cuerpo.
Tengo clavos en las manos,
y cuchillos en los dedos,
y en mi sien, una corona
hecha de alfileres negros.

Mira cómo se me pone
la piel ca vez que me acuerdo
que soy un hombre casao
¡y sin embargo, te quiero!

Entre tu casa y mi casa
hay un muro de silencio;
de ortigas y de chumberas,
de cal de arena y de viento,
de madreselvas oscuras
y de vidrios en acecho.
Un muro para que nunca
lo pueda saltar el pueblo,
que anda rondando la llave
que guarda nuestro secreto.
Y yo bien sé que me quieres,
y tú sabes que te quiero,
y lo sabemos los dos,
y nadie puede saberlo…

¡Ay, pena, penita, pena
de nuestro amor en silencio!
¡Ay, qué alegría, alegría
quererte como te quiero!

Cuando por la noche a solas,
me quedo con tu recuerdo,
derribaría la pared
que separa nuestro sueño.
Rompería con mis manos
de tu cancela los hierros
con tal de verme a tu vera,
tormento de mis tormentos,
y te estaría besando
hasta quitarte el aliento.
Y luego… ¡qué se me da
quedarme en tus brazos, muerto!…

¡Ay, qué alegría y qué pena
quererte como te quiero!
Nuestro amor es agonía,
luto, angustia, llanto, miedo,
muerte, pena, sangre, vida,
luna, rosa, sol y viento.
Es morirse a cada paso
y seguir viviendo, luego,
con una espada de punta
siempre pendiente del techo.

Salgo de mi casa al campo
sólo con tu pensamiento,
por acariciar a solas
la tela de aquel pañuelo
que se te cayó un domingo
cuando venías del pueblo,
y que no te he dicho nunca,
mi vida, que yo lo tengo;
y lo estrujo entre mis manos
lo mismo que un limón nuevo,
y miro tus iniciales,
y las repito en silencio
para que ni el campo sepa
lo que yo te estoy queriendo…

Ayer, en la Plaza Nueva,
- vida, no vuelvas a hacerlo-
te vi besar a mi niño,
a mi niño, el más pequeño,
y cómo lo besarías,
¡ay, Virgen de los Remedios!
que fue la primera vez
que a mí distes un beso.
Llegué corriendo a mi casa
alcé mi niño del suelo
y, sin que nadie me viera,
como un ladrón en acecho,
en su cara de amapola
mordió mi boca tu beso,

¡Ay, qué alegría y qué pena
quererte como te quiero!

Mira: pase lo que pase,
aunque se hunda el firmamento,
aunque tu nombre y el mío
lo pisoteen por el suelo,
y aunque la tierra se abra,
aun cuando lo sepa el pueblo
y pongan nuestra bandera
de amor a los cuatro vientos,
¡sígueme queriendo así
tormento de mis tormentos!

¡Ay, qué alegría y qué pena
quererte como te quiero!